Noches de Ramadán 2017

Fakeba

Noches de Ramadán
Parque Casino de la Reina
Del 10 al 25 de junio de 2017

Una vez más, como viene siendo habitual desde 2006, llega al madrileño barrio de Lavapiés las Noches de Ramadán, unas jornadas culturales y de reflexión y ocio que buscan el diálogo en la diferencia. Un lugar donde conocer propuestas y actividades culturales que se realizan en países cercanos, y al mismo tiempo desconocidos, donde artistas nacidos entre nosotros tienen su hueco. Un festival que huye de los grandes espectáculos y nos acerca a lo nuevo, reciente y novedoso, conjugando tradición y modernidad. Un espacio donde la reflexión y el debate tienen un lugar significativo para conocer la diversidad y pluralidad existentes.

Tres de los cuatro conciertos en el Parque del Casino de La Reina, en Lavapiés, estarán protagonizados por mujeres procedentes de Argelia, Túnez y Senegal. 

De este último país procede Fakeba que el 21 de junio, Día de la Música, ofrecerá su primer concierto en Europa, fusionando tradición y electrónica. Al día siguiente, desde Marruecos y en el mismo escenario de Casino de la Reina, se presenta MobyDick, una de las referencias actuales del hip-hop marroquí. La jornada del viernes 23 nos trae a Neyssatou, una artista independiente tunecina que reivindica el valor de su identidad cultural, híbrida y múltiple. El sábado 24 llega Souad Massi, cantante, letrista y guitarrista argelina criada en el barrio de Bab El-Oued, hija de una humilde familia de melómanos, que nos descubre el chaabi, el rock and roll, el pop, el country, el flamenco, el folk.

También tendrán cabida en este festival multicultural e interbarrios el cine, la danza, la poesía, los debates, la literatura… actividades abiertas realizadas en colaboración con entidades como Casa Árabe, UNED y otras fundaciones, librerías y asociaciones. 

Noches de Ramadán también estará presente el Día de las Personas Refugiadas en el Parque Eva Péron en el distrito de Salamanca.

Del 10 al 25 de junio son las fechas elegidas este año para profundizar en el conocimiento de culturas cercanas, enriquecernos con ellas y valorar la importancia de la diversidad y la cooperación cultural. Casi el 4% de la población de nuestro país se declara musulmana. Para ellos el Ramadán es el mes más señalado el año. Fechas de reflexión, encuentro y convivencia.

Puedes descargarte el programa completo pinchando aquí.

Palabras sin música

Philip Glass
Palabras sin música. Memorias
Words without music: a memoir. Traducción: Mariano López
Malpaso, 2016

Hubo un tiempo en que escuchar música de Philip Glass era un signo de distinción entre los más modernos, esos que en cada momento se autodenominan de una manera para diferenciarse de los demás. Puede que hoy día su música no esté tan de moda como antaño, pero no cabe la menor duda de que es uno de los compositores más conocidos e influyentes del último tercio del siglo XX. Su carrera abarca infinidad de obras, entre las que cabe destacar varias óperas, Satyagraha (1980), Akhnaten (1983) o, la más famosa de todas, Einstein on the Beach (1976), una obra realizada en colaboración con el escenógrafo Robert Wilson que marcó un antes y un después en el mundo de los escenarios por su concepto visual minimalista, su ausencia de argumento y sus textos repetitivos, casi mántricos. Además, es autor de infinidad de composiciones para conjuntos de cámara, ballets y multitud de bandas sonoras que son, a la postre, las que más han servido para popularizar su figura. Este enero de 2107 estrena su 11ª sinfonía, coincidiendo con su ochenta cumpleaños. Una carrera que lo ha situado entre las grandes figuras de la música, aunque su apellido lleve siempre asociado el término minimalismo, un género musical basado “en la armonía consonante, en pulsos constantes, en lo estático o en las lentas transformaciones, a menudo en la reiteración de las frases musicales en pequeñas unidades como figuras, motivos y células”, estilo del que tiene el honor de considerarse inventor junto a Terry Riley, Steve Reich y La Monte Young.
A sus ocho décadas de vida, Glass ha decidido hacer repaso a su vida y este Palabras sin música se convierte en su libro de memorias, en donde, en primera persona, da buena cuenta de sus inicios, sus costumbres, influencias y cómo su familia, amigos y maestros llegaron a determinar por dónde iba a dirigir sus pasos este joven algo miedoso, aunque decidido, nacido en Baltimore (Maryland, EEUU) en 1937. No se trata de un libro en donde las palabras se disfruten por sí mismas; no se trata de gran literatura, no. Pero la honestidad a la hora de contar su vida, hace de estos textos una buena manera de entender los caminos de Glass por el mundo de la música y por la vida en general. Tampoco me parece muy acertado el título, aunque parece que el autor haya querido separar las memorias del impacto musical que tiene su obra; sin embargo, me cuesta entender (y leer) la biografía de un músico sin una banda sonora con su obra sonando al mismo tiempo, algo que ya he procurado remediar por mis propios medios, pinchando piezas de este maestro del siglo XX durante la lectura de su libro de memorias. En cualquier caso, echo de menos una biliografía discográfica y de sus representaciones o, como se está poniendo de moda últimamente, una lista de audición con enlaces online para acompañar la lectura con la selección de música que hubiera podido hacer el propio autor. Eso sí, el libro se estructura repasando los momentos más significativos de su carrera, desde sus estudios en la Juilliard School de Nueva York, con Darius Milhaud como profesor, o los que realizó en París con Nadia Boulanger en el Conservatorio americano de Fontainebleau, hasta sus colaboraciones con músicos pop o sus éxitos internacionales con las óperas o las bandas sonoras.
Siempre es útil para el aficionado y el estudioso de su obra la sinceridad (aparente) con la que un autor cuenta su propia vida, su desarrollo musical, sus influencias y sus deseos de encontrar un lenguaje propio, algo que, sin lugar a ninguna duda, Glass ha conseguido. Pues, eso está claro, estamos ante uno de los compositores más mediáticos, conocidos e influyentes en generaciones posteriores de las últimas décadas (también, frente a uno de los más criticados, como, por otro lado, suele ocurrirle siempre a los genios).

Para la lectura, puedes escuchar Façades, una de las más bellas obras de Glass, pinchando aquí.

Intoxicated women

Foto: L.J. Spruyt

Mick Harvey
Intoxicated women
Mute / Pias Iberia, 2017

Este es el cuarto disco que edita con relecturas propias de las composiciones de Serge Gainsbourg (1928-1991) aquel artista francés que se convirtió con el paso de los años en un icono de lo heterodoxo, de un vivir escandaloso y amoral y de la capacidad por extraer de la fealdad vital una intensa y hermosa poesía como poca gente lo ha conseguido. El multiartista australiano Mick Harvey comenzó su visita al mundo gaisbourgiano en 1995 con Intoxicated man, al que siguieron Pink elephants (1997) y Delirium Tremens (2016). Ahora es el turno del protagonismo femenino, que tanto juego le dio al compositor francés en su carrera. Harvey edita Intoxicated women, que se abre, precisamente, con una de las canciones más famosas de Gainsbourg, Je t’aime... moi non plus, que en su momento interpretó a dúo con Jane Birkin y que Harvey lo hace, en alemán, con Andrea Schroeder, con una muy alta dosis de sensualidad, tal y como requiere la canción.
Es una de las quince versiones con las que Harvey ha querido repasar la historia de los duetos que Gainsbourg realizó con impresionantes voces (e imágenes) femeninas, como la ya mencionada Birkin, France Gall, Juliette Gréco y la archifamosa Brigitte Bardot, y que para la reinterpretación Mick Harvey a contado con la colaboración de Xanthe Waite y Channthy Kak (para Contact!, el single del álbum, que Gainsbourg cantó junto a Brigitte Bardot), de Jess Ribeiro, Sophia Brous, Lyndelle-Jayne Spruyt y Solomon Harvey, hija del cantante con quien hace un dúo, como hizo Gainsbourg en su momento con su hija Charlotte en la canción Lemon incest (que no aparece en este disco, sino en el primero de la serie, Intoxicated man).
Una buena manera de recuperar a través de versiones los grandes éxitos de un compositor eterno.

Puedes escuchar Contact pinchando aquí.

Los hombres modernos

Fran Aguilar
Los hombres modernos
Autoeditado, 2016

¡Qué bonito es encontrarse de nuevo con las ocurrencias de Fran Aguilar! Hacía ya unos cuantos años que permanecía en silencio y, quizás sin darse cuenta, despertando la ansiedad y el deseo de aquellos que se dejaron enamorar con algunas de las muchas canciones que había compuesto con anterioridad, sobre todo, las que contenía aquel mágico receptáculo en forma de cd que se llamó En calzoncillos (Nuevos Medios, 2001) y que grabó junto a la banda A falta de pan. La sensibilidad que se ha desprendido de sus letras, casi susurradas con cariño al oído, puede poner en un serio aprieto emocional a quien las escuche y sentir, tras ello, una irrefrenable sensación de buenismo, en donde todo es hermoso o para quien lo bello puede sazonar las amarguras de la vida con esas bonitas canciones.
Y, de nuevo, aquí tenemos al personaje, haciendo de las suyas con nuestros sentimientos. ¡Como si no le importase! Como decía, han pasado unos años y la sociedad ha cambiado como no nos imaginábamos hace tan solo una década y media. Ahora somos todos más modernos, más eclécticos, globales y juiciosos (¿o no?). Hoy estamos más mezclados y nos dejamos seducir por formas de vida más pausadas y menos consumistas (¿será la edad?)... Hoy, Fran Aguilar nos presenta su idea de Los hombres modernos, en forma de canciones. Al ritmo de un tango, de una rumba o de una canción pop, y, eso sí, poniendo poesía donde no la hay, lamentando los pocos amigos que tiene, aunque, de todos modos, imaginando ese viejo corazón extraño calentándose los lunes al sol. «A pesar del paso de los años, nuestro compromiso sigue intacto», dice en Ni falta que hace, un compromiso por las cosas bien hechas, que en este caso son canciones, sencillas, directas, poéticas y francas.
En esta ocasión, la producción se enriquece con algunos instrumentos que dan brillo a las composiciones. El tres cubano, hermoso y mágico, interpretado por Leo Cabezas. O la viola que toca Alejandro Garrido. O la voz de Depedro, que también toca el vibráfono en Los lunes al sol... entre otros colaboradores estupendos... Otro disco más para la colección de productos bonitos.

Puedes ver el spot de presentación de Los hombre modernos pinchando aquí.
Puedes contactar con Fran Aguilar pinchando aquí.

Sinfonías de la mañana

Martín Llade / VVAA
Sinfonías de la mañana
Libro + 2 cds. Radio Clásica / RTVE / Warner, 2016

Acaba de ser galardonado con el Premio Ondas 2016 de Radio al mejor presentador o programa en coincidencia con los 50 años de la emisoria Radio Clásica. Martín Llade, periodista, y, sin duda, gran melómano, lleva ya una década deleitándonos las mañanas con una combinación altamente sugerente, Sinfonías de la mañana, en el que incluye la lectura de relatos sobre grandes músicos y las músicas que les hicieron conocidos y merecedores de nuestro respeto y amor por la música. Más de trescientos textos que se adornan musicalmente con obras, en general, bastante populares, conocidas y que podríamos llamar, los hits de la música clásica, de cualquier época y estilo.
Coincidiendo con este premio, se acaba de editar un estupendo libro con una selección de estos populares relatos del programa, en el que se incluyen dos cds con fragmentos musicales que acompañan a cada uno de los 35 textos que completan la obra. La selección se ha realizado atendiendo a la aceptación de los oyentes y se convierte en un estupendo viaje musico-literario por las músicas de todos los tiempos, desde Monteverdi, Purcell, Händel o Bach hasta Wagner, Chopin, Satie, Beethoven o Piazzolla, por referir solo unos pocos de los grandes genios de la música que este volument contiene.
Una oportunidad para acercarse a la mal entendida como música seria para aquellos que nunca se han atrevido, con un conjunto de obras bastante conocidas y textos amenos y entretenidos para comprender mejor la vida, la época y la obra de los compositores más famosos. También es muy sugerente para aventurar a los jóvenes y niños por el mundo de la música clásica, convirtiendo cada audición en un relato con una extraordinaria banda sonora.
Además, como cualquier cosa que proceda de Radio Clásica, las obras grabadas estan interpretadas por los conjuntos, orquestas, directores y solistas más destacados, con nombres tan eternos como Nicolas Harnoncourt, Maria Callas, Andreas Scholl, Alicia de Larrocha o Victoria de los Ángeles, entre otros muchos de calidad incuestionable.

Si quieres ampliar más la escucha, puedes escuchar los podcast del programa pinchando aquí.

Do easy

Tasseomancy
Do easy
Bella Union / Pias Iberia, 2016

Son dos hermanas gemelas, Sari y Romy Lightman, y se hacen llamar Tasseomancy. Proceden de Canadá y tienen fuertes lazos estilísticos con la etérea y onírica música de Kate Bush y sugerencias paisajísticas con los oscuros y adictivos terrores de algunas películas de David Lynch. Como si fueran un remedo del signo zodiacal Géminis, las hermanas Lightman son como las dos caras de un mismo cuerpo, dos imágenes que con un mismo rostro aportan misterio y oscuridad a la vez que claridad y calidez. Dos voces que se conjuntan como si fuera una sola doblándose a sí misma y que nos llevan por paisajes cercanos al sueño y a los rincones más secretos de la intimidad. Este es su cuarto disco largo (después de un ep con el que estrenaron nombre y formación) y fueron integrantes de la banda Austra, una banda femenina de dream-pop, hasta que decidieron volar por separado y la apuesta ha sido recompensada (para nosotros, sobre todo) con un trabajo emotivo y soñador, sugerente y etéreo, que nos hace volar por espacios tan sintéticos como viscerales. Do easy es un buen camino a recorrer para hacerlo con los ojos cerrados, con las luces suaves y con la garganta caldeada con algún sofisticado licor que nos lleve a las fronteras del sueño bien acompañados por una banda sonora especialmente brumosa, nubosa, sedosa...

Puedes ver el vídeo de Missoula pinchando aquí.

King Crimson. European Tour 2016

Las imágenes en directo de esta reseña son del dvd Radical Action (To unseat the hold of monkey mind).
King Crimson ejecuta sus conciertos libres de móviles, en los que está prohibido tomar imágenes.

King Crimson
European Tour 2016
Palacio Municipal de Congresos de Madrid, 21 de noviembre de 2016

Era 1969. El hombre acababa de pisar la luna. Kubrick presentaba al mundo su genial ensayo cinematográfico, 2001, una odisea del espacio. Estados Unidos estaba saliendo de Vietnam con el rabo entre las piernas. Woodstock había puesto a la música pop en el centro del mundo y a su legión de seguidores como unanueva fuerza social capaz de asustar a los políticos reinantes. Acababan de pasar las revoluciones del 68... El mundo occidental estaba sufriendo un cambio de identidad como nunca había ocurrido y a las manifestaciones contra la guerra y por el amor, a la psicodelia, las anfetaminas y el LSD, a la liberación de la mujer,... vinieron a unirse muchas voces que, bien criticaban la decadente sociedad, bien hacían los honores a una nueva juventud (no por edad) que cambiaría el mundo (al menos, durante un tiempo).
Entre aquellos grupos que surgieron somo setas (alucinógenas), uno de ellos destacó desde su primer trabajo, la banda londinense King Crimson, que nacieron para reventar los patrones del pop y del rock con una intensa dosis de calidad, vanguardia y seriedad. Su primer disco, In the Court of the Crimson King (1969) quizás no lo haya escuchado mucha gente joven de hoy día pero que, seguro, lo conocen por la poderosa imagen de su portada, un icono de la música, esa inolvidable ilustración del grito en primer plano del hombre esquizoide del siglo XXI.
Nada menos que 47 años después (¡casi cinco décadas!), una de las muchas combinaciones que siempre ha logrado Robert Fripp (la 12ª ya), el iluminado y genial guitarrista que fundó y ha llevado las riendas de la banda, se halla inmersa en una descomunal gira europea que, para nuestra fortuna, ha hecho parada en nuestro país. Ayer, 21 de noviembre, y hoy, cuando escribo estas líneas, abarrotan el gran espacio del Palacio Municipal de Congresos de Madrid. El 24 y el 25 estarán en el Auditori del Forum de Barcelona.

El asombro es mayúsculo nada más entrar en la sala, antes, incluso, de que el espectáculo comience. Al contrario que casi cualquier formación de pop-rock que suelen colocar la batería detrás de los solistas cantantes y guitarristas, King Crimson apuesta por las baterías situándolas en primer plano. Y, sí, digo bien, “las baterías”, porque son tres las que protagonizan el espectáculo, y son interpretadas, manoseadas, casi pulverizadas por tres mayúsculos bateristas: el californiano Pat Masteloto, el también estadounidense Bill Rieflin y el inglés Gavin Harrison, hmirándolos de izquierda a derecha.
Tras ellos y sobre una tarima, los otros cuatro musicos de la formación. A la izquierda, los saxos y las flautas del británico Mel Collins, parapetado tras una mampara transparente. A su lado, el impresionante y frenético bajista Tony Levin, con sus potentes líneas de fondo. Junto a él, la voz y guitarra Jakko Jakszyk, británico aunque su nombre parezca indicar otra cosa, que eleva la emoción con sus voces en las (no muchas) partes cantadas. Y, por fin, detrás y a la derecha, sentado junto a su torre de efectos, con su guitarra y sus auriculares, hierático, serio, sobrio... el inigualable Robert Fripp, quien sin asumir casi ningún protagonismo, asume la dirección de esta empresa musical con una férrea voluntad que ya dura casi cincuenta años.

El resultado es muy difícil de expresar. Esta gira se convierte en un bucle temporal perfecto a la larga historia de la banda, recogiendo sus grandes éxitos de su carrera con la sabiduría que hoy poseen los músicos (y no sugiero con esto que no fuesen geniales en épocas pasadas). Pero este grandes éxitos no es como el que cualquier otra banda podría realizar. King Crimson los recrea, los refuerza, los hace contemporáneos y, si no lo eran antes, los convierte en verdaderas obras maestras. Porque lo que sobre el escenario se interpreta es verdadera música contemporánea, música de nuestro tiempo que ya está pidiendo a gritos ser interpretada en las salas de conciertos como se merece (y no con esas trasnposiciones orquestales tan deslucidas e irritantes). Va siendo hora de que los programadores de conciertos de música contemporánea dejen de mirar a los (geniales y necesarios, sin duda) Stravinski, Schoenberg, Berg... que escribieron sus obras hace ya casi un siglo y comiencen a programar entre los autores nuevos, a estas bandas del rock que ya son casi clásicos de la música e interpretadas con los instrumentos originales de las bandas.
Afortunadamente, aún podemos disfrutar de los autores de estos clásicos en directo y, si no puedes acudir a sus conciertos, puedes, asimismo, deleitarte con esta música dual, que explora el cielo y el infierno, capaz de hacernos gozar con las más bellas melodías y llevarnos al estrépito con la furia más salvaje, con la grabación oficial de esta gira, reflejada en un triple cd o en un doble dvd o un bluray, titulado Radical Action (To Unseat The Hold Of Monkey Mind). Sin duda, una acción radical, para seguir poniendo patas arriba el mundo de la música pop, rock... contemporánea.

Puedes ver el fragmento oficial dedicado al tema Easy money pinchando aquí.

Eusa

Yann Tiersen. Foto: Christopher Espinosa Fernandez

Yann Tiersen
Eusa 
Mute / Pias Iberia, 2016

Se hizo mundialmente famoso con las bandas sonoras de las películas Amélie (Jean-Pierre Jeunet, 2001) y Good Bye, Lenin! (Wolfgang Becker, 2003), que mantenían lo más característico de la música del francés Yann Tiersen, su piano melódico, íntimo, minimalista, de baja frecuencia y sentimientos elevados, muy en la línea de la música repetitiva americana pero con un fuerte sentido emocional y romántico. Una música muy apropiada para los días de lluvia tras la ventana, para acompañar la lectura o para una cena íntima.
Eusa es su noveno disco y el primero en el que el piano es el único protagonista de la música y su título responde a la isla de Ouessant (pronunciada Eusa en bretón), el lugar donde vive actualmente el músico, muy cercano a la zona donde nació. Sin olvidar las características propias de la obra de Tiersen, este se convierte en un viaje por ese entorno cuasisalvaje de la costa oeste de Bretaña, con sonidos de las aves que por allí vuelan, del viento acariciando las hojas y los pastos, con la luz otoñal y empastada de mar y las rocas de granito formando el escarpado perfil de la isla.
Eusa no se originó como disco, sino como un libro de diez partituras para piano con las que Yann Tiersen quería “iniciar un mapa musical de la isla donde vivo”. Las estrenó durante una gira europea durante la pasada primavera (con todas las entradas agotadas) y posteriormente se grabó como disco en los estudios Abbey Road de Londres. El proceso de trabajo le ha permitido reflexionar y disfrutar de cada uno de los vuelos musicales por los paisajes de la isla y, además, convertirlos en una declaración de intenciones políticas ente la desconexión, cada vez mayor, del ser humano con la naturaleza debido al capitalismo y a un mundo cada vez más loco.

Puedes ver el vídeo de Portz goret pinchando aquí.

Tormenta

Mister Marshall
Tormenta
Autoeditado, 2016

El maravilloso cuadro Snow storm, pintado en 1842 por el británico William Turner ha inspirado la creación de Tormenta, el nuevo trabajo de la banda madrileña Mister Marshall, un trabajo complejo y con el encanto de recuperar el disco conceptual. Son más de 20 minutos de una misma composición dividida en cuatro actos cuyas letras tienen claras connotaciones románticas, escritas por el cantante Javier Vidal durante una estancia en Japón. La música está realmente muy elaborada fusionando de una manera muy especial el rock psicodélico de los 70 y el folk de raíces sudamericanas con la electrónica. En la edición en vinilo, la cara B contiene las composiciones en versión instrumental, lo que se convierte en un objeto muy deseable, cuya portada es un diseño de Rafael Mateos.
Seduce la propuesta de este gran grupo que tiene dos baterías (Nacho Mata y Pablo Sotelo) para acompañar a dos guitarras (Pablo Parser y Julio Gómez), trompeta (Antonio García), bajo (Jorge Galaso) y la voz y guitarra de Javier Vidal. Parece la vuelta a escena de aquellas bandas fabulosas de los años setenta que desarrollaban instrumentaciones intrincadas y en evolución y que en directo se conviertían en un espectáculo de los sentidos. Las presentaciones que realizan Mister Marshall se acercan más al teatro que a un concierto al uso, incluyendo proyecciones visuales y una escenografía muy elaborada, que cuenta con cazadores de tormentas y en las que, al incluir dos baterías, la percusión juega un papel predominante.

Puedes ver el teaser de Tormenta pinchando aquí.
Puedes ver la interpretación en directo de H20 en el Teatro del Barrio de Madrid en junio de 2015 pinchando aquí.

Oh So Pretty: Punk in Print 1976-80

Cartel para el single God Save the Queen de Sex Pistols, realizado por Jamie Reid, (mayo de 1977). Mott Collection

Oh So Pretty: Punk in Print 1976-80 
Mott Collection, con un ensayo de Rick Poynor
Phaidon, 2016

Toby Mott no había cumplido aún los veinte años cuando, a finales de los setenta y primeros de los ochenta del pasado siglo, unas bandas musicales comenzaron a revolucionar la música pop de forma agresiva, explícita, irreverente y heterodoxa. El Punk nacía en los barrios de Londres y, con esos grupos y su música, la imagen que proyectaban se traducía en maneras de vestir (o de romper las vestiduras), de expresarse, tanto visual como dialécticamente y de anunciarse con flyers, carteles, revistas... Toby comenzó a guardar todos aquellos productos con los que se promocionaban los conciertos, las bandas, las modas y los medios donde aparecían bandas como Sex Pistols, The Clash, The Damned, Ramones o The Jam, entre otras muchas, menos conocidas, que invadieron la escena musical británica, se expandieron a Estados Unidos e influyeron definitivamente en los modos y maneras de expresarse de la música de finales del siglo XX.
Cuatro décadas después, aquella colección se ha convertido en un material documental de toda una época, que aún continúa, aunque absorbida por la industria como cualquier otro género o moda. The Mott Collection es la base de este libro magnífico, en donde el protagonismo lo tiene el grafismo. Una enorme colección de imágenes (más de 450) de fanzines, carteles, flyers y chapas de la época punk que, como seña de identidad, tienen en común el casi exlusivo uso del blanco y negro, de los recortes y tachones y del uso de tipografías distintas en un mismo texto, así como, como no podía ser de otra manera, el posado radical, provocativo y casi amenazante de los grupos. En palabras de Mott, una “estética cruda e inmediata”, que “representa el ímpetu de esta explosiva cultura del hazlo tú mismo”.
De aquellas impresiones defectuosas, en papeles de baja calidad, con malas fotografías que se desvaían con las sucesivas fotocopias, vemos, hoy día, cuando tenemos en frente esta completa colección de imágenes, un estilo compacto y con coherencia, con una estética tan fuerte como han sido las de muchas otras tribus urbanas relacionadas con la música.

Portada del fanzine Bored Stiff #1. C. Terry et al., Tyneside Free Press (julio 1977)

Más si cabe, pues la del punk fue mucho más transgresora que la de otros estilos, con una intencionalidad de provocar y romper los patrones establecidos como normas de conducta básicas asimiladas por la sociedad, no solo en las actitudes que, como en otros géneros, siempre quieren diferenciarse de sus ancestros más inmediatos, sino en los principios más básicos asumidos como inalterables por las sociedades, como la vestimenta destrozada, la auto-agresión física, la mugre y la búsqueda consciente de la fealdad para provocar. Resulta llamativo cómo la misma sociedad bienpensante ha asumido todas esas poses y las ha convertido en algo plásticamente vendible (con sus evidentes transformaciones hacia lo políticamente correcto) para la estética punk se vislumbre hoy día como una moda más que resulta hasta plásticamente atractiva (lo contrario de sus argumentos originales) para poder vender según qué cosas.

El libro Oh So Pretty: Punk in Print 1976-80 es el perfecto resumen de toda esta época, de todo aquel movimiento contracultural y casi antisistema que movió conciencias en muchas direcciones y transformó la música abriendo vías nuevas a la expresión y a las formas en las que la juventud busca acentuar sus siempre nuevas maneras de ver el mundo. Es un libro completísimo (en inglés), muy bien presentado e impreso en un papel tremendamente adecuado para la estética punk, un papel basto, áspero, muy parecido al de los carteles que se pegaban en las paredes, de los flyers que se distibuían para promocionar las directos de las bandas o los fanzines que se multicopiaban para aunar un espíritu generacional y un género musical que ya forma parte de la historia de la música, como puede comprobarse en el ensayo inicial, escrito por el crítico, comisario de arte y conferenciante Rick Poynor, para quien la Mott Colletion es una muestra relevante “rebosante de vida” por su crudeza y su caos.

El canto gregoriano en el Camino de Santiago

Coro de Monjes de Santo Domingo de Silos

El canto gregoriano en el Camino de Santiago
Director: Ismael Fernández de la Cuesta
2 cds. Warner, 2016

Que el Camino de Santiago es algo mundialmente famoso nadie lo pone en duda. Muchos acuden a sus senderos a invertir su tiempo de vacaciones de manera diferente a la comúnmente entendida como turística. Los hay que lo entienden como un reto personal, recorriendo kilómetros y kilómetros para llegar (o no) a la meta final, la Catedral de Santiago de Compostela. Hay quienes se sirven de los albergues que jalonan el camino como una manera de pasar unas vacaciones baratas con la posibilidad de conocer a mucha de la gente que por ellas transita.
No obstante, entre la gran cantidad de gente que discurre por el Camino, hay muchos que lo recorren como un acto de fe, por sus creencias religiosas y con un sentido muy espiritual de la ruta para llegar al fin al sepulcro del Apóstol Santiago, que es, en suma, el origen de esta ruta y lo que la justifica. El recorrido (o los recorridos, pues son muchos los caminos que llevan a Santiago) pasa por infinidad de lugares abarrotados de ermitas románicas, de monasterios, de puentes de piedra, de cultura antigua, que es, también, otro de los argumentos para recorrerlo.

Al finalizar la etapa 21 del Camino de la Lana, que parte de Alicante y se une al Camino Francés en Burgos, se llega a Santo Domingo de Silos, población burgalesa que acoge uno de los monasterios más famosos del país, una abadía benedictina cuyo origen se remonta al siglo VII.
En dicho recinto se encuentra una de las formaciones musicales más famosas, el Coro de Monjes del Monasterio de Santo Domingo de Silos. Así, si unimos los argumentos del Camino –peregrinos, cultura, fe, encuentros...–, podemos crear un documento al que solo le falta la banda sonora que lo convierta en una película vital que puede conformar una gran experiencia para muchos.
Ismael Fernandez de la Cuesta, musicólogo e intérprete, ha estudiado detenidamente el Códice Calixtino, el testimonio escrito más fiel a la liturgia del Camino de Santiago, un manuscrito copiado a mediados del siglo XII que sirvió de pauta o guía a los peregrinos de la época y que actualmente se conserva en la Catedral de Santiago. De él ha recopilado una serie de cantos del mismo repertorio sacro al que ha unido otros de la liturgia hispánica visigótica y del Antifonario mozárabe para que fueran interpretadas por el Coro del monasterio que, a la sazón, él mismo dirigía en el momento de las grabaciones. Una oportunidad para acercarse a la espiritualidad a la que puede acercar el Camino de Santiago (para quien la busque) o, simplemente, a la belleza misma de la música. Una música, el gregoriano, que, como bien apunta Fernández de la Cuesta, hoy escuchamos modificado por la reforma impulsada por el catolicismo romántico del siglo XIX, “lo que no invalida la propiedad histórica y arqueológica de este canto milenario, ni su calidad artística, cuando está bien cantado”.

Puedes escuchar el trailer de esta recopilación pinchando aquí.

Janis

Amy J. Berg
Janis
Janis: Little Girl Blue (2015)
99 minutos + 56’ extras. Avalon, 2016

Si hay una imagen imitada hasta la saciedad, una figura que se ha convertido en un icono de la segunda mitad del siglo XX, un icono de libertad, de energía y de sensibilidad a un tiempo, esa ha sido la de Janis Joplin (1943-1970). Su sonrisa y aparente felicidad ante un mundo que cambiaba y se abría a algo aparentemente mejor, contrasta fuertemente con aquella mirada triste y con las canciones desgarradas que interpretaba. Es una de esas artistas míticas que integran el llamado Club de los 27, integrado por músicos que han visto truncada su existencia a esa edad y que, tanto más por su fuerte personalidad y grandes dotes artísticas, han pasado a formar parte del Olimpo de la música popular. Sus canciones son leyendas del rock. Su modo de vida, un paralelo de lo que alguien podría esperar de la verdadera estrella del rock de la época beatnik, de la era de Acuario, del LSD y de los hippies, de la heroína, de la carretera y de la revolución sexual. Su inconfundible voz rota, áspera, rasposa y llena de energía aportó a muchas de las composiciones que interpretó un aire inconfundible de una enorme artista, tan grande y eterna como las más grandes y eternas de toda la historia de la música.
Desapareció pronto, víctima de una sobredosis de heroína (como tantos otros músicos) y muchos de los aspectos de su vida quedaron perdidos en la leyenda. Ahora, el documental Janis, dirigido en 2014 por la directora estadounidense Amy J. Berg, que hace poco tiempo pasó por las salas de cine españolas y ya se ha editado en dvd, nos descubre esos secretos vitales de la fabulosa cantante, que se crecía en los conciertos y que tanto sufría en su vida privada. Una mujer a la que pocos podían seguir por su arrolladora e imponente fuerza personal y por su debilidad emocional, frágil como un cristal a punto de romperse. Tras una infancia bastante desoladora, marcada por su aspecto físico y las burlas constantes que sufría en la escuela, tuvo claro desde muy niña que quería dedicarse a cantar y pronto huyó de la pequeña localidad industrial de Texas donde vivía hacia la entonces efervescente San Francisco, donde pronto comenzó a cantar con la banda Big Brother and the Holding Company, con quienes grabó su primer disco y que, a todas luces eclipsó hasta el punto de que en el segundo disco ya era ella la protagonista principal de la banda.

Janis Joplin fotografiada por Bob Seidemann en 1967

Las presiones la llevaron a cambiar de músicos, habida cuenta de que se estaba convirtiendo en una refulgente estrella que brillama como nadie y que rompía moldes en cada uno de los conciertos, de aquellos míticos conciertos de Monterey, de Woodstock o de Amsterdam de 1969, y formaron la Kozmic Blues Band, que tampoco dio los resultados deseados y duró tan solo un año y un disco.
A inicios de 1970 parecía que sus problemas de drogadicción estaban quedando a un lado tras un viaje a Brasil y haber conocido allí a David Niehouse con quien formó pareja sentimental. A su regreso se unió al nuevo grupo Full Tilt Boogie Band, propuesto por su productor, con quienes congenió muy bien y pareció disfrutar de los conciertos que ofrecían juntos. Pero cuando estaban terminando de grabar el nuevo disco Pearl, quizás el mejor de su carrera (sin desmerecer los grandes temas que se encuentran en el resto), un momento de debilidad, quizás tras una borrachera, quizás en un estado de excitación después de una sesión de grabación, puede que tras un fuerte sentimiento de soledad al quedarse sola en su habitación... el caso es que se inyectó de nuevo heroína y resultó fatal. Murió el 4 de octubre de 1970 y entró a formar parte de las leyendas de la música, una mujer débil e insegura en lo privado y fuerte, enérgica y con una personalidad arrolladora en lo profesional. Una voz maravillosa que (una vez más) la droga cortó de golpe. El documental Janis, que cuenta con la voz de la cantante Cat Power leyendo las intensas cartas de la cantante, es la historia de esta cantante, un homenaje a esta artista eterna y a aquella voz que siempre sonará en los reproductores (sean los que fueren los que tengamos en el futuro).

Puedes ver el trailer de Janis pinchando aquí.

Los Chiquitos de Algeciras

Los Chiquitos de Algeciras
Antología inédita (1961-1988)
Las primeras grabaciones de Pepe y Paco de Lucía
Doble cd / Warner Music, 2016

Que los grandísimos artistas lo son desde sus inicios es algo que podemos comprobar en este interesante recopilatorio con las primeras grabaciones que realizó uno de los mayores genios de la guitarra flamenca de todos los tiempos: Paco de Lucía (1947-2014), que trascendió la fama e importancia de sus dos hermanos, el fabuloso guitarrista acompañante de Camarón de la Isla (1950-1992) en la década de los 70, Ramón de Algeciras (1938-2009) y Pepe de Lucía, cantaor de proyección internacional. Fue precisamente con Pepe con quien se inició Paco de Lucía acompañándole a la guitarra. Entonces, cuando grabaron su primer disco, tenían 16 el cantaor y 14 años el guitarrista y se hicieron llamar Los Chiquitos de Algeciras, y lograron grandes éxitos en aquella década de los sesenta, especialmente en el I Concurso Internacional de Arte Flamenco de Jerez de la Frontera (Cádiz) de 1962, en donde se inventaron un premio especial para no dejar sin galardonar a Paquito a la guitarra “ya comprometido a los consagrados”.
Es precisamente a las grabaciones de esta época casi infantil del dúo de los Lucía a lo que se dedica este doble disco recopilatorio, con las tomas remezcladas y remasterizadas, recuperando así los inicios necesarios de dos grandes figuras del flamenco, e incluyendo algunas tomas inéditas, entre ellas, y para cerrar, dos versiones de otra época, 1988, cuando Paco de Lucía giraba con su Sextet por todo el mundo y su hermano Pepe le acompañó en uno de esos conciertos.

Cubierta del primer disco grabado

por Los Chiquitos de Algeciras

Resulta muy notorio el cambio de voz de Pepe de Lucía entre las diferentes grabaciones, cuando en las primeras, de 1961, tenía 16 años y las últimas, tan solo dos años después, con una voz bastante menos aniñada, más grave y formada. La audición sorprende enormente, pues tanto el cantaor como el guitarrista son verdaderos virtuosos de los palos flamencos además de unos intérpretes cargados de sentimiento y emociones.
El libreto, escrito por el especialista en flamenco José Manuel Gamboa nos relata las visicitudes de la pareja de niños en sus inicios y cómo, casi desde las primeras notas, se vieron inmersos en el mundo del espectáculo a nivel internacional. Muy pronto, Pepe fue contratado por el bailarín más famoso de Estados Unidos de aquellos tiempos, José Greco (1918-2000) conocido como Mr. Cocacola, que se lo llevó por una gira de nueve meses por Norteamérica (incluyendo México) y participó en la grabación del disco José Greco. Ritmos flamencos (Hispavox, 1963). Y fue por empeño de Pepe, bajo amenaza de volver a España y abandonar la compañía, que Paco fue llamado para acompañar en la gira de Greco, algo que parece que infuyó sobremanera en la forma de interpretar, sobre todo por las enseñanzas de los guitarristas Mario Escudero (1928-2004) y de Sabicas (1912-1990), el gran impulsor de la guitarra flamenca y del género a nivel internacional, que le aportaron savia nueva y una mirada diferente, lo que, quizás, contribuyó a que su arte se hiciera tan ecléctico, mestizo y genial.
Esta es una recopilación para disfrutar a pequeños sorbos, deleitándose con cada una de las interpretaciones de los niños Lucía, que reparten sus esfuerzos entre los muchos palos flamencos que tanto dominaron y que, para regocijo de la comunidad y aficionados flamencos, se pueden escuchar con alta calidad sonora y permiten apreciar, como decía al principio, que el genio, además de llevarse dentro, se educa desde edades muy tempranas. Antológico.

Puedes ver una antigua grabación de TVE de Los Chiquitos de Algeciras pinchando aquí.

Leyenda

Ana Alcaide
Leyenda
Autoeditado/crowdfunding, 2016

Quien quiera clasificar a Ana Alcaide en algún género lo va a tener difícil, cuando, además, tratar de catalogar la belleza que transmite la música es absolutamente innecesario. Su maestría con la nyckelharpa (un instrumento de cuerda frotada, de origen sueco, similar a la vihuela española) y su capacidad para componer y arreglar hacen que cada disco suyo sea un descubrimiento emocionante. En Leyenda, su último trabajo, conseguido a través de una exitosa campaña de crowdfunding, Ana ha planteado un argumento genérico para todas sus composiciones, con la mujer y lo femenino plasmándose en todas ellas como telón de fondo. A través de distintas leyendas y mitologías procedentes de fábulas ancestrales, la mujer se presenta con una fuerza arrolladora y necesaria, como un lecho sobre el que fluyen la música y los espacios que se generan, con los latidos que dan vida orgánica al mundo, a los sentidos y a las contradicciones amor-odio, oscuridad-luz, vida-muerte...
El proyecto está planteado como un conjunto musical y escénico y, tanto en la música como en la puesta en escena, el resultado es tremendamente contemporáneo, a pesar de que las sonoridades armónicas parezcan proceder de tiempos pretéritos. “Las leyendas son para mí la llave para comprender una sabiduría ancestral que ha quedado esculpida en la conciencia colectiva de los pueblos”, comenta Ana Alcaide en el disco, incidiendo en la particularidad de que, con distintas circunstancias y diferentes personajes se expresan siempre las mismas inquietudes de los seres humanos a través de cada una de sus diferentes mitologías.
Aquí, en Leyenda, aparecen la diosa Loulaien, una momia caucásica de una bella mujer aparecida en China; la ondina de Vacares, una leyenda granadina sobre una mujer-pájaro; la lamia de Kobate, seres femeninos de los bosques vascos con algunas de sus partes animalizadas; la esposa Selkie, que tanto ansiaba el pescador de una leyenda celta; los akelarres... Cuentos, narraciones, leyendas que transitan por el tiempo con formas de mujer para intensificar modos y costumbres, para armonizar lo femenino con la naturaleza y con los misterios, y para, como hace Ana Alcaide, crear hermosas composiciones llenas de magia.

Puedes ver la presentación que hace Ana Alcaide del proyecto Leyenda pinchando aquí.

Héroes del blues, el jazz y el country

Robert Crumb
Héroes del blues, el jazz y el country
Libro ilustrado + cd
Nórdica Libros, 2015

Puede que sea uno de los dibujantes más famosos de toda la historia de la historieta estadounidense. Sin ninguna duda, es el más representativo del llamado cómic underground, uno de los movimientos contraculturales más importantes que dio sus primeros pasos en 1968 con el primer número de Zap Comics, realizado en su totalidad, precisamente, por Robert Crumb, autor de algunos personajes que se han convertido en icónicos de la cultura pop, como Mr. Natural, o Fritz, the Cat, del que se llegó a hacer una película de animación, dirigida en 1972 por Ralph Bakshi y que fue la primera cinta de dibujos animados que tuvo clasificación X en Estados Unidos.
También es muy conocida la afición de Crumb por la música y, como Woody Allen muestra su pasión por el jazz de New Orleans, Crumb lo ha hecho siempre por las leyendas de los inicios del jazz, el blues y el country. Géneros que por sí solos pueden suponer una parte importante de la cultura estadounidense de la primera mitad del siglo XX. Crumb fue un poco más allá en el terreno de la música y llegó a ilustrar la portada de uno de esos discos míticos del pop-rock de los sesenta, Cheap thrills, de Big Brother and the Holding Company, la banda a la que hizo famosa Janis Joplin.
Esta afición por la música y por los géneros del jazz, el blues y el country llevó a Robert Crumb a realizar en los años ochenta varias colecciones de postales gráficas con dibujos de los personajes musicales que admiraba. Las fue creando en las series Heroes of the blues, Early Jazz Greats y Pioneers of the Country Music. Sus dibujos, a medio camino entre el realismo, la caricatura y, sin duda, el respeto por el retratado, aportan color a una historia musical que fue en blanco y negro y que se recuerda por las grabaciones picadas de los discos de pizarra. Originalmente, según apunta Terry Zwigoff en la introducción (director de cine que en 1994 realizó el documental Crumb), parece que la idea del dibujante era realizar diferentes retratos de los músicos con el fin de crear una coleeción de cromos que se fuera distibuyendo con cada disco de Yazoo Records, una compañía especializada, precisamente, en la recuperación de los géneros que a Crumb tanto le interesaban.

Por todo esto y porque Robert Crumb es uno de esos autores que merece tener un hueco reservado en nuestra biblioteca, es una grata noticia la publicación de Héroes del blues, el jazz y el country,

Autorretrato de Crumb (1986)

el libro que recopila las series de dibujos que realizó con esta temática. Todo en un volumen, delicioso, acogedor, de esos que da gusto acariciar, manosear y pasar páginas hacia adelante y hacia atrás. En esta edición, cada uno de los dibujos-retrato de Crumb va acompañado de una breve reseña que habla del músico o el grupo musical en cuestión, textos de los que se han encargado Stephen Calt (1946-2010) especialista en blues, David Jasen, que escribe las biografías de los artistas de jazz, y Richard Nevins, autor especializado en country. Pero aún hay más: el libro viene acompañado de un disco recopilatorio con 21 temas de los tres géneros seleccionados por el mismo Robert Crumb, música procedente de grabaciones originales de 1927-1931 extraída del catálogo de Yazoo Records.
Un libro que es (casi) un diccionario a la vez que un tesorito para guardar, mostrar y regalar. (Y digo casi porque, aunque Crumb le ha homenajeado en distintas ocasiones con sus dibujos, en el libro falta nada más y nada menos que Robert Johnson, el Rey del blues del Delta, una de las leyendas más importantes del género). A pesar de ello, el libro es una maravilla que se lee, se mira y se escucha.

Puedes ver el book-trailer de Héroes del blues, el jazz y el country pinchando aquí.